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Daft Punk

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Apenas este febrero, el dúo electrónico francés Daft Punk anunció abruptamente su ruptura, dejando atrás un legado de tres décadas plagado de monolitos culturales. Su carrera poco ortodoxa estuvo desprovista de los picos, los valles, la prolificidad y el drama detrás de la música que generalmente acompaña a los actos de su estatura internacionalmente famosa. (Incluso si hubiera tal drama, probablemente no lo hubiéramos sabido, ya que Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter nunca vacilaron en su compromiso con la presentación pública sin rostro, enmascarados por robots y vidas personales intensamente privadas).

En cambio, lanzaron esporádicamente música revolucionaria y pasaron el resto de su tiempo en las sombras. Cada uno de sus cuatro álbumes de estudio fue una piedra de Rosetta arrojada a la sopa primordial, ondulando hacia afuera, enviando réplica tras réplica a través de la música y la cultura popular. Al igual que las antiguas Maravillas del Mundo, puede elegir bloques de construcción que existieron antes de las visitas extraterrestres (o, en el caso de Daft Punks, robot), tecnología de corte de ladrillos, una muestra de discoteca, sistemas de poleas rudimentarios, la clara influencia de Chicago música house, pero incluso los expertos farfullan para explicar cómo cualquier ser terrenal diseñó el producto final.

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A pesar de cuatro eras distintivas e innovadoras, ningún lanzamiento de Daft Punk reinventó la rueda como el Discovery de 2001, lanzado en todo el mundo hace 20 años hoy (12 de marzo). En su segundo álbum, el dúo surgió de su trasfondo más tradicional de house/techno y creó algo que era tan pop como reverente a la música dance, tan retro como futurista. Varios de sus sencillos fueron éxitos mundiales, en particular el corte de plomo One More Time, pero las críticas iniciales fueron mixtas y algunos críticos se opusieron a la sinceridad descarada de los álbumes. Hoy, tras dos décadas de infiltración de la música electrónica en la corriente principal, sería difícil encontrar otro álbum dance del siglo XXI tan exitoso, querido e influyente a nivel mundial. Discovery estableció un sonido único y definitivo de Daft Punk que inspiró a una generación, pero que nunca regresó del todo en los dúos que siguieron a los lanzamientos, que continuaron expandiéndose hacia el exterior y absorbiendo nuevos mundos.

Incluso antes del anuncio de ruptura del mes pasado, no tenías que voltear muchas rocas para encontrar elogios de Discovery de músicos cuyo trabajo ha definido el siglo XXI. Pero para tener una mejor idea de la adivinación de los álbumes de las tendencias modernas, Nosotros le dio la vuelta a varias de esas rocas. Con contribuciones de 16 artistas y expertos de la industria, aquí hay 10 formas en que la maravilla mundial más inconcebible de Daft Punk predijo el futuro de la música pop.

1. La cursilería desestigmatizada en la música dance y pop de vanguardia

Si lees las primeras reseñas, especialmente en los EE. UU., nunca adivinarás que Discovery estaba destinado a ser la piedra angular del canon de la música electrónica. Entre las quejas sobre la percepción de ironía y trucos, los críticos atacaron la cursilería del álbum, especialmente sus coqueteos con los sonidos del rock suave de los años 70 y 80, logrados tanto mediante el uso de instrumentos arcaicos como el teclado Wurlitzer y la caja de ritmos LinnDrum, como mediante el muestreo de artistas deliberadamente anticuados como Barry. Manilow y George Duke.

La especialidad de Daft Punks es rehabilitar ideas consignadas durante mucho tiempo al basurero de la historia, escribió The Guardians Alexis Petridis. Clubes audiovisuales Joshua Klein pensó que muchas de las canciones de los álbumes sonaban tan resueltamente retro que a menudo caían presa de las trampas que derribaban a la música disco, a saber, el hedonismo banal a expensas de la resonancia emocional. El fundador de Pitchfork, Ryan Schreiber, en una reseña ahora infame de 6.4, apodó a la música como el Frankenbaby no deseado del progreso y la música disco, y escribió: Esta bestia, por grotesca que sea, es relativamente inofensiva.

Los artistas electrónicos Porter Robinson y Madeon eran preadolescentes en el momento del lanzamiento de Discovery y, aunque eran demasiado jóvenes para recordar la prensa negativa de primera mano, la recuerdan con perplejidad y burla. Las reseñas críticas de Discovery son la mejor referencia abreviada que tengo sobre por qué no vale la pena preocuparse por la crítica musical, dice Robinson. Permítanme decirlo así: cada crítica negativa de Discovery ha envejecido un millón de veces peor que el álbum.

Discovery fue, en parte, concebido como un homenaje a la ingenuidad y la falta de pretensiones de la infancia, dice Madeon, que cree que es la razón por la que los álbumes son anti-snob. Esta no es una excusa para ser cursi, es solo una excusa para ser auténtico y fiel a la emoción.

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Para los oyentes más jóvenes como Robinson y Madeon, la arqueología sónica de Discovery también sirvió para el propósito del descubrimiento musical. Cuando escuché Discovery por primera vez, no sabía nada sobre Supertramp o Electric Light Orchestra, dice Madeon. Para mí ese era el teclado de Daft Punk. Y luego, a través de ellos, comencé a escuchar esas cosas más antiguas, y luego comencé a usar ese teclado Wurlitzer, y estoy seguro de que hay algunas personas que no estaban tan familiarizadas con Discovery [quienes] escucharon mi álbum primero. Para ellos ese era mi teclado, y para mí su teclado Daft Punks, y para Daft Punk su teclado Supertramps, y tal vez para Supertramp su teclado de alguien más.

En esa misma línea, Tame Impalas Kevin Parker dice que le encanta el álbum por lo atemporal que es. La atemporalidad es una cualidad que me importa mucho cuando hago música, y los ingredientes [de Daft Punks] simplemente suenan viejos y futuristas al mismo tiempo.

2. Combatir los estereotipos de la música electrónica como estéril o antiséptica

La música electrónica tuvo un lugar en las pistas de baile desde que comenzó a infiltrarse y mutar en la música disco a mediados de los 70. A lo largo de los años 90, la escena big beat del Reino Unido continuó con el legado de inicio de fiesta que se expandió en las escenas house y techno de Nueva York, Chicago y Detroit durante los años 80. A pesar de eso, el mundo más grande de la electrónica aún puede parecer impenetrable a veces, ya sea debido al aumento de la embriagadora IDM (música de baile inteligente) o las percepciones estadounidenses de la música rave como repetitiva sin sentido. A pesar de las apariencias androides de sus creadores, Discovery ofreció una versión reconfortantemente humana de la música dance, introduciendo un toque más suave, algo divertido y una falta casi total de pretensiones. Los videos musicales de vanguardia y el marketing inteligente del grupo tampoco hicieron daño. Era a la vez una droga de entrada para los no iniciados electrónicamente y un modelo para la próxima gran explosión de géneros: EDM.

No estaba escuchando mucha música electrónica en ese momento, y creo que antes de eso, la mayoría de los álbumes electrónicos eran bastante cerrados en sí mismos y en las reglas de su género, dice DJ y cofundador de Fools Gold Records, A-Trak. Me voló la cabeza. El álbum era explosivo, eufórico y lleno de imaginación.

Discovery fue una gran introducción [a Daft Punk] porque era muy accesible, dice el músico electrónico Baauer sobre el primer CD que compró, que sigue siendo su álbum favorito hasta el día de hoy. Es divertido pensar que la gente los odiaba por volverse demasiado pop, pero para gente como yo, y estoy seguro de que muchos otros, eso fue lo que me atrajo. Fue genial que pudiera ir a descubrir [el álbum debut de Daft Punks 1997 ] Tarea y ser como, Bien, aquí está el punto más difícil.

Por otro lado, Discovery todavía atraía a oyentes de nicho más selectivos, como los electro-rockeros Ratatats Evan Mast. Estaba escuchando mucha música electrónica más abstracta y tendía a alejarme de la música dance antes de [ Discovery ]. Pero Daft Punk fue una prueba para mí de que la música dance puede ir más allá y ser experimental y también muy interesante, dice.

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Que Daft Punk pueda ser simultáneamente experimental y accesible no es poca cosa, y Discovery lo logra, en parte, a través de su llamativa simplicidad. Lo que pasa con la música electrónica es que es realmente fácil hacerla infinitamente compleja y tan involucrada en tantos elementos, dice Kevin Parker. Siempre encuentro que Daft Punk tiene ese enfoque audaz en el que pueden dejar que sea súper simple y súper efectivo.

Daft Punk copió una buena parte de ese enfoque audaz y minimalista de la música house de Chicago, un subgénero que veneraban y al que rendían homenaje, en su mayoría descaradamente en Homework, pero también a lo largo de algunos momentos en Discovery. Su álbum debut incluía la canción Teachers, cuya letra consistía únicamente en una lista de las mayores influencias del dúo, muchos de ellos DJ de Chicago. DJ Rush, un veterano en activo desde principios de los 90, estaba entre ellos. Como muchos otros, también expresa una profunda admiración por la falta de pretensiones de Daft Punk.

He notado que los productores se toman las cosas demasiado en serio y no ponen mucha diversión, ni se arriesgan, en su música, dice. Daft Punk siempre se puso sucio y creativo y se divirtió con cada lanzamiento. No tenían miedo de mezclar un poco.

3. Llevó el canto pop a la música electrónica.

Entre las principales razones por las que Discovery se destaca como tan accesible en comparación con otra música electrónica, o incluso Homework, es su inclusión de ganchos de estilo pop más tradicionales y estructura de canciones. A medida que avanzaba la década de 2000, esto se volvió mucho más común en la música electrónica y, con el auge de la EDM de principios de la década de 2010, las colaboraciones entre productores de dance y las 40 estrellas principales funcionaban esencialmente como música pop pura, sin necesidad de etiquetar el género electrónico. Estuvo lejos de ser el primer grupo en fusionar las 40 mejores canciones con la producción propia, pero entre algunos de los nombres más importantes de EDM, el conocimiento del pop de Discovery todavía se considera el punto de referencia.

Para mí, Discovery tiene mucha más musicalidad, en un sentido tradicional, que otros álbumes [de Daft Punks], dice Zedd, uno de esos megaproductores para definir el pico de EDM que cree que Discovery es uno de los álbumes más influyentes de todos los tiempos. No quiero decir que no disfrute de los otros álbumes, pero había mucho más para mí personalmente a lo que aferrarme en este álbum.

Al igual que Zedd, Baauer se sintió atraído por primera vez por Discovery por el sencillo principal One More Time, que se convirtió en el mayor éxito mundial de Daft Punk hasta la fecha. One More Time siendo música electrónica, pero también una canción pop, definitivamente fue una de las primeras en ser eso, dice. Sigue la composición de canciones pop, hay un gran gancho que es memorable, sigue todas las reglas del pop, y tiene una voz muy pop y divertida mientras es una pieza de música electrónica muestreada. Y creo que ya estamos en un mundo donde cualquier canción pop es [música electrónica]. Se ha convertido en la norma.

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No se puede subestimar la importancia de Discovery como componente básico de la música electrónica con fluidez pop de las últimas dos décadas, pero a menudo se necesita un músico más joven, influenciado por Daft Punk, para presentar la música de los dúos a una nueva generación. jóvenes, nuevos fanáticos de la música dance que aún no lo han hecho, Porter Robinson tuiteó en 2013, por favor escuchen el álbum de descubrimiento de daft punks ahora. No te avergüences, solo ponte al día. Cuando se le pregunta al respecto ahora, explica, tengo la sensación de que Discovery impactaría a los fanáticos de la música dance moderna como algo profundamente creativo y puro. Creo que Daft Punk se acercó a las estructuras de las canciones en Discovery de una manera muy pop de verso/estribillo, pero la música es tan auténtica e intransigente en su estilo.

Por supuesto, para un dúo tan comprometido con la autocuración y la evolución artística, la incursión de Discovery en la música pop fue más que un intento de inclinarse por lo comercial. Jason Bentley, ex director musical de la estación de radio pública KCRW decorada en Los Ángeles, también se desempeñó como supervisor musical de la película Tron: Legacy de 2010, cuya banda sonora fue compuesta por Daft Punk. Ofrece una explicación más teórica del aumento del uso de voces y sonidos familiares de los dúos en Discovery: el arco más grande de lo que representa Daft Punk es dibujar un círculo que conecta la tecnología con la percepción humana y Discovery estaba explorando más el espíritu en la máquina.

4. Reinvención drástica popularizada de álbum en álbum en la música dance.

Cada álbum de Daft Punk que no es Homework ha soportado una buena cantidad de críticas por no sonar como el último álbum de Daft Punk. Random Access Memories no era lo suficientemente electrónico, Human After All no era lo suficientemente pegadizo, Discovery era demasiado pop. Como un hito del techno funky más profundo, más duro y más orientado al groove, el debut del dúo en 1997 proyecta una sombra imponente. La tarea era más fresca, en el sentido tradicional de la palabra, con chaqueta de cuero, fumador de cigarrillos. Y aunque se invirtió más en mezclar todos los géneros bailables bajo el sol que los actos de house/trance/techno intensamente ortodoxos de la era, sigue siendo el álbum de Daft Punk más aceptable para los puristas.

Tendemos a olvidar, pero la cantidad de fama, exageración y presión a la que estaban [después de Homework] debe haber sido realmente una locura, dice Madeon. Y ahora, es tan claro en el panorama general por qué este fue un paso tan significativo, para su carrera y para la música dance en general.

La artista electrónica Alison Wonderland está de acuerdo. Creo que para un grupo electrónico experimentar y evolucionar como lo ha hecho Daft Punk en su carrera es súper inspirador, y verlos hacer eso de álbum en álbum es increíble, especialmente de Homework a Discovery, dice. Empujar los límites y abrazar otros géneros dentro de la música electrónica la ayuda a avanzar y siempre creará un sonido nuevo e interesante.

Otros músicos electrónicos sin duda habían cambiado de forma a lo largo de sus carreras antes de que Daft Punk entrara en escena. Mire Aphex Twin aumentando gradualmente la intensidad entre Selected Ambient Works y Richard D. James Album, o en The KLF haciendo ping-pong entre música ambiental. y el estadio house con sus eras Chill Out y The White Room , pero en general, los artistas que trabajaban dentro del género en ese entonces no priorizaban las declaraciones completas de intenciones radicalizadas, a menudo dejando que los sencillos y los EP hablaran por sí mismos. Daft Punk hizo de la reinvención drástica un objetivo atractivo (y para algunos artistas, primordial).

El descubrimiento, ese paso, es lo que convirtió a Daft Punk de un gran grupo de house a Daft Punk, dice Madeon. Estaba plantando todas estas semillas, y no habría sucedido si hubieran hecho el movimiento fácil. Entre cada álbum, para mí y para muchos de mis compañeros que sé que también reverencian a Daft Punk, nos preguntamos: ¿Es esta una era lo suficientemente discreta que se sumará al repertorio de universos que construimos? Esa es la lección que enseñó Discovery.

5. Ha puesto el mismo énfasis en los componentes visuales del álbum.

Aunque disfrazaron sus rostros con una variedad de máscaras baratas de tiendas de disfraces desde que comenzaron a aparecer en público como Daft Punk, Bangalter y de Homem-Christo no revelaron su ahora icónico aspecto de robot hasta 2001. Como un poco de compromiso servil con lo visual presentación, fue un presagio de la estética bien cuidada de Discovery. También hizo que los niños se interesaran.

Que fueran robots, solo a primera vista, fue genial, dice Baauer, que tenía 11 años en el momento del lanzamiento de Discovery. Como, esos tipos se visten como robots, genial, en un nivel muy superficial, ¿sabes? Creo que no obtener mucho [al principio] lo hizo realmente fascinante para mí. Porque luego descubrí Interstella 5555, y realmente no entendí de qué se trataba, pero pensé que era genial.

Interstella 5555 es el anime que Daft Punk lanzó como complemento visual de Discovery, una especie de video musical extendido que también funciona como una narrativa sin diálogos por sí misma. No se lanzó en su totalidad hasta 2003, pero unos meses después de que saliera el álbum, se emitieron tres fragmentos de Interstella (con sencillos de Discovery) en maratones de videos musicales en el bloque Cartoon Networks Toonami, que se muestran notablemente junto con los primeros clips animados de Gorillaz, que tomaría la estética de la banda de dibujos animados a nuevas alturas en las próximas décadas, comenzando con su propio álbum debut homónimo de 2001 y luego en otros canales de video.

Estaba sentado en mi habitación con algunos amigos cuando era adolescente y apareció el video musical One More Time y me enamoré de la canción. Estaba obsesionado con ella, dice Skrillex. Me encantó la pequeña fiesta alienígena y la animación, todo me golpeó muy fuerte.

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Al igual que A Hard Days Night, Purple Rain y The Wall antes, Interstella es un hito en la continuidad de los álbumes visuales, un formato que se ha mantenido popular en el nuevo milenio con artistas tan diversos como Beyonc, Sturgill Simpson y Animal Collective. sus sombreros en el ring. Aparentemente, las películas están allí para agregar contexto, o al menos un acompañamiento adecuado, a los temas de los álbumes, lo cual es una propuesta complicada para un álbum tan poco narrativo como Discovery.

Bangalter y de Homem-Christo eligieron a Leiji Matsumoto, el creador de algunos de sus dibujos animados favoritos de la infancia, como supervisor de la película, lo que encaja con el sentido general de nostalgia del álbum. Incluso si la trama tiene muy poco que ver con los temas líricos ya endebles, el medio tiene sentido.

Madeon experimentó por primera vez Discovery en su totalidad a través de Interstella a una edad temprana, y ahora entiende que la película, junto con los materiales promocionales que la acompañan, como figuras de acción y cromos, estaba dirigida a adultos pero con una estética infantil, en lugar de cortejar activamente a los oyentes preadolescentes. . Pero yo era un niño que lo consumía absolutamente en primer grado, sin ironía, sin nostalgia, solo un niño viendo una caricatura, recibiendo tarjetas en una revista, dice. Estoy seguro de que habían conceptualizado esto de alguna manera, pero dudo que estuviera al frente de sus mentes, esta audiencia infantil.

A diferencia de la mayoría de los medios de comunicación de los que se enamoraron en la infancia, Discovery parece quedarse en la vida de aquellos que se sintieron atraídos por sus llamativos efímeros a una edad temprana. El músico electrónico Gryffin dice que, a pesar de disfrutar los sencillos en ese momento, era demasiado joven para apreciar completamente el álbum cuando se lanzó. Pero a medida que crecí y aprendí a hacer música electrónica, dice, comencé a apreciar plenamente la profundidad y el alcance que tiene este álbum más allá de los éxitos de la pista de baile.

6. Se volvió más grande que la vida cuando se interpretó en vivo.

Lo divertido de la influencia de Discovery es que también se sintió mucho más tarde en la década, dice A-Trak. Cuando Daft Punk finalmente realizó una gira en 2006-7, interpretaron muchas canciones de Discovery y expusieron a toda una nueva generación a ellas.

Daft Punk lanzó Human After All, su continuación de Discovery, en 2005. Recibió una respuesta crítica aún más dura, rozando la indiferencia en algunos casos. Si se hubieran centrado principalmente en material nuevo durante sus primeros shows en casi una década, quién sabe cómo le habría ido a la gira. En cambio, el dúo apostó por la buena voluntad que habían adquirido de sus dos primeros álbumes y ofrecieron una actuación al estilo megamix que se ha convertido en leyenda.
En Coachella 2006, Daft Punk presentó su show en vivo completamente renovado, con una cabina de DJ en forma de pirámide y pantallas LED innovadoras. A fines de 2007, habían realizado 43 espectáculos en todo el mundo en la gira Alive 2006/2007, todos con la misma configuración elaborada.

Simplemente hicieron un trabajo increíble con la producción, dice Ratatats Evan Mast, quien abrió para el dúo en una serie de fechas en Estados Unidos. Es un gran riesgo para un artista invertir en un espectáculo como ese. Tienes que poner mucho en ello por adelantado y solo esperar que todo valga la pena al final.

Para hacer una larga historia corta: lo hizo. Para asegurarse de que la actuación pudiera ser disfrutada por más de los asistentes a la gira, Daft Punk la inmortalizó con un álbum en vivo Alive 2007, cuyo sencillo principal era una nueva versión de Discovery's Harder, Better, Faster Stronger. Para aquellos que no tuvieron la suerte de experimentarlo de primera mano, como Kevin Parker, el álbum es una fuente importante de FOMO.

Es una actuación legendaria de música electrónica, dice. Si me preguntaras cualquier día, no solo haciendo una entrevista con el tema de Daft Punk, cuál es mi mayor arrepentimiento en la vida, es no haber visto a Daft Punk en vivo en 2007.

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Tanto Skrillex como Baauer tuvieron la suerte de asistir a las fechas de la gira y citan la experiencia como una influencia formativa en sus carreras, al igual que muchos otros productores electrónicos de peso pesado de su generación. Alive 2007 inició la locura de los festivales de EDM y se ha convertido en la versión moderna de la era hippie que terminó en Altamont o Nevermind mató al hair metal, una explicación clara y sencilla para una tendencia que involucra muchas más partes móviles pero que tiene algo de verdad. La música dance en vivo explotó en los EE. UU. a principios de la década de 2010 y, con ella, también lo hicieron los presupuestos para equipos de escenario.

Quizás la evidencia más sorprendente del continuo interés en Daft Punk como artistas en vivo (a excepción de tres apariciones en los Grammy, su último show fue en 2007) es el surgimiento de varios actos tributo, antes impensables en el mundo de la música electrónica. . El más exitoso de estos es One More Time, un dúo que se formó para tocar en una fiesta de Halloween de la universidad en 2010 y desde entonces ha realizado su actuación reverencial en giras mundiales.
Descubrí que [la gira Alive 2007] fue un gran punto de inflexión en las presentaciones electrónicas en vivo, dice One More Times Ben Linsenmeyer. Esa fue la primera vez que yo, como mucha gente, vi a un grupo electrónico actuar con un escenario y una producción más grandes que la vida. Parece que la bombilla se encendió y la producción de actos electrónicos se disparó después de ese espectáculo, todos tratando de capturar la misma energía y emoción.

Por encima del resto de la discografía de Daft Punks, dice Linsenmeyer, Discovery es la clave de su éxito en vivo (y el de Daft Punks). Discovery es un álbum bailable, [como en] no es para ser juzgado o analizado, sino para ser divertido, dice. Aunque las voces están codificadas y muchos de los instrumentos están superpuestos, la música en Discovery se siente más como una historia. Tiene un comienzo fuerte y un final con interludios emocionales e incluso una canción de amor. Todos estos elementos realmente crean el modelo para un espectáculo en vivo que lleva a la audiencia a un viaje que nunca esperaron.

7. Informó directamente el auge inmobiliario francés de mediados a finales de la década de 2000

En un nivel más inmediato y de menor escala, Daft Punk se suele citar como los antepasados ??de la ola de música electrónica y house francesa que comenzó a mediados y finales de los 90 y alcanzó su punto máximo a mediados de los 2000. También conocido como French Touch 2.0 (una referencia a la primera ola de música disco francesa en los años 70 y 80), esta escena fue informada no solo por Daft Punk como dúo, sino también por las actividades en solitario de Homem-Christo y Bangalters en ese momento. . Cada uno operaba por separado un sello discográfico influyente (Crydamoure y Roul, respectivamente), y con su único grupo Stardust, Bangalter lanzó el megaéxito de 1998 Music Sounds Better With You, que llegó a las listas de 20 países y jugó un papel importante en popularizando el sonido nu-disco a nivel mundial. Pero a pesar de una escena repleta de productores y DJs de ideas afines, la música ampliamente distribuida de Daft Punks todavía parece obtener la mayor parte del crédito por ser pionera en el estilo.

[Daft Punk] fueron vistos como los padres del electro francés para una nueva cosecha de productores, dice A-Trak, quien a pesar de no ser parte de esa escena, lanzó una mezcla de DJ a través del sello francés de electro/hip hop Disque Primeur en 2006 (casualmente, dicho mix incluye un fragmento de Daft Punks Da Funk). Una vez más, Ron Diep está de acuerdo, señalando la importancia específica de Discovery, así como lo inseparable que era Daft Punk del resto de la escena francesa: [Discovery] realmente consolidó el sonido de Daft Punk para mí, en cuanto a futuros álbumes, y también para la emergente escena house/electro francesa.

Además de Crydamoure y Roul, Daft Punk tenía otro vínculo más directo con la escena, ya que su antiguo manager, Pedro Winter, fundó en 2003 lo que se convertiría en posiblemente el sello discográfico francés de electrónica más importante de la década de 2000. Ed Banger Records lanzó música por artistas franceses como Breakbot, Sebastian, Cassius, Mr. Oizo, el mismo Winter bajo su apodo Busy P, y quizás lo más importante, Justice, cuyas opulentas presentaciones en vivo y uso frecuente de muestras disco los convirtieron en los herederos más claros de Daft Punks.

Si bien no pudo reclamar por completo la invención de la música house francesa, el sonido distintivo y de deuda disco de las pistas de Discovery como Aerodynamic, Crescendolls y High Life dejó una marca indeleble en una vibrante escena de música electrónica. Daft Punk siempre ha estado a la vanguardia, dice Jason Bentley, y creo que Discovery marcó el ascenso de un sonido disco francés basado en muestras a nuevas alturas.

8. Se basó en muestras de épocas pasadas

A lo largo de los años, obtuve un aprecio mucho mayor por el muestreo en [ Discovery ] y la diversidad de lugares de los que extraían muestras, dice Robby Hauldren del dúo electrónico Louis the Child. Creo que esa es una parte de Daft Punk que la gente a veces pasa por alto, son maestros del sampler.

Las muestras han sido inseparables de la música electrónica desde el nacimiento del género, por lo que, si bien Discovery es un álbum bastante lleno de muestras, está lejos de ser el primero. Daft Punk eligió material de origen que coincidía con su equipo retro y lo manipuló en muchos casos, no de manera drástica para adaptarse a su visión. La columna vertebral de Harder Better Faster Stronger es un giro inalterado del bajo sintetizado y el groove guiado por platillos de Edwin Birdsongs Cola Bottle Baby; El romance espacial de Digital Loves está alimentado por melodías hacia el cielo de George Dukes I Love You More; el bucle persistente que impulsa a los superhéroes es de Barry Manilows Whos Been Sleeping in My Bed. Algo sobre la forma en que Daft Punk eligió desplegar toda esa tarifa de los años 70 y 80 se quedó con los artistas a los que han influenciado.

[ Discovery track] Aerodynamic tiene una estructura muy inventiva, yo lo llamo AB-AB, dice Madeon, entrando en los aspectos básicos de la composición de los álbumes. Introduce un concepto, la muestra disco cortada [de Sister Sledges Il Macquillage Lady], y luego otro, el loco riff al estilo de AC/DC. Así que tienes un A asombroso y un B asombroso, y luego tocas ambos juntos y se vuelven a armonizar. Lo increíble de esta estructura es que si comienzas la canción con los dos juntos, sonaría como un desastre. Pero debido al orden en que se presentan los elementos, todo tiene sentido y te pone la piel de gallina.

Discovery informó mucho sobre cómo hago música, especialmente la forma en que muestrean los discos, dice Baauer. Sigo pensando que esa es mi parte favorita de hacer música: tomar algo viejo y recontextualizarlo en algo nuevo. Fue absolutamente Daft Punk quien me mostró las posibilidades de eso. Me gusta Simplemente lo levantaron, hacia arriba, y creo que es tan genial que pudieron transformarlo en algo nuevo.

9. Barreras aniquiladas entre electrónica, rock y hip hop

Entre otros guiños ridículos en el sencillo debut de LCD Soundsystems en 2002, Losing My Edge, el líder James Murphy afirma haber sido el primer tipo que tocó Daft Punk para los rock kids. Quienquiera que haya hecho eso realmente merece un montón de elogios, porque no encontrarás un acto electrónico que haya traspasado tanto como lo hizo Daft Punk, especialmente a los oyentes de rock de la época.

Recuerdo haber escuchado One More Time en un momento en que solo escuchaba música rock y me desconcertó por completo, dice Zedd. No me gustaba la música electrónica y, de alguna manera, One More Time me capturó absolutamente de inmediato.

Daft Punk no siempre fue algo que escuchara activamente porque me gustaba la música rock, dice Kevin Parker, quien reconoce que el riff de guitarra en Tame Impalas Let It Happen está bastante inspirado en Daft Punk. Eran solo esta extraña anomalía para mí, porque eran parte de un mundo musical diferente al que yo solía formar parte, pero era solo que no sé, bueno. Sé que suena cursi decir que trasciende géneros pero trasciende mundos, en cierto modo.
Parker continúa ilustrando esto de manera más concreta: vi este meme el otro día, después de que se separaron, y eran todos estos caballeros poniendo su espada en una roca, y la roca es Daft Punk, y los caballeros son como Band Kids, Fanáticos de la música electrónica, fanáticos de la música rock, fanáticos de la animación, como todos. Todo el mundo aprecia a Daft Punk.

Es posible que ese meme no haya incluido un caballero Hip Hop Fans, pero ciertamente podría haberlo hecho. Creo que Daft Punk influyó en muchos artistas, no solo en artistas electrónicos, dice Alison Wonderland. Piensa en Kanye probándolos. Eso es un gran problema, porque no muchas canciones de rap en ese entonces reconocían la música electrónica. Para ellos hablar con tantos artistas diferentes, es un acto único.

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Kanye sampleó Harder Better Faster Stronger de Discovery (su entonces DJ de gira, A-Trak, fue quien primero le puso música de Daft Punks) en el sencillo principal de su álbum de 2007 Graduation fue un momento crucial tanto para los fanáticos de la música dance como para los recién llegados. al género. De la misma manera que Discovery presentó Supertramp y Electric Light Orchestra a una nueva generación, Kanyes Stronger hizo que los niños se apresuraran a aprender más sobre los robots.

Tenía 10 años, viajaba de Nueva York a Chicago con mi madre, y en el aeropuerto vi la portada de una revista con las caras de Kanye y Daft Punks [en ella], dice Frederic J. Kennett de Louis the Child. Mi tía me había regalado recientemente el CD Graduation de Kanyes, y era mi álbum favorito, así que tuve que leer sobre Stronger. Había reconocido la muestra y necesitaba esa revista para poder saber más sobre Daft Punk. Escuché el Harder Better Faster Stronger original y el álbum Discovery, y me enamoré instantáneamente. Esta fue realmente la primera vez que escuché música electrónica de baile en mi vida, y es la chispa inicial del amor y la curiosidad que tengo por lo que se convirtió en mi propia pasión y luego en mi carrera.

Kennett no es el único que ha tenido su primera experiencia con Daft Punk, y mucho menos la música electrónica en su conjunto, inspirando su propia marca híbrida de música rock. Estábamos escuchando toneladas de Daft Punk antes del primer álbum de Ratatat, dice Evan Mast. Nuestra banda podría no haber existido si no fuera por ellos.

10 Establecer el estándar de oro para la libertad artística y el control entre los músicos pop.

https://www.youtube.com/watch?v=iObgEbUDeio

La serie dramática de HBO de 2020 I May Destroy You tiene una banda sonora fantástica que se centra en el hip hop y el R&B contemporáneos del Reino Unido, pero también en el afrobeat, el jazz y la música electrónica. Of all its needle drops though, the most pivotal might just be Daft Punks Discovery slow jam Something About Us, which first soundtracks a spontaneous, tender romantic encounter, and reappears several times throughout the series. Its somewhat of a surprising inclusion, not so much because its out of step with the rest of the soundtrack, but because Daft Punk are so notoriously stingy about licensing their music for outside use.

That was one of the songs which was scripted by [series creator and star Michaela Coel] from day one, so our job was purely to convince the rights holders and Daft Punk themselves to agree to the placement, says the shows music supervisor, Ciara Elwis. As a huge fan of the band the clearance is one of my proudest achievements to date as they are really selective with the shows they clear for, and rightly so.

In the 2015 French documentary Daft Punk Unchained , Pedro Winter explains how important it was to the duo to secure a record deal that provided them full artistic control over their music and visual art. You hear this sort of thing from artists all of the time especially recently, with world-famous artists like Taylor Swift and Kanye West fighting for ownership of their master recordings but looking back on nearly 30 years of Daft Punk, youd be hard-pressed to find instances of the duo straying away from their obsessively curated vision (save for a commercial or two ).

The artistic discipline theyve had throughout the years is something that, for some reason, I reference to people all the time, says Kevin Parker. I mean, they did interviews, obviously, but they never let up with the concept. They never did a Daft Punk: Helmets Off special, or whatever. The amount of offers for shows they would have had since the Alive tour would have been outrageous. They couldve played anywhere for millions of dollars every night. The temptation to do that wouldve been pretty strong, and they obviously just didnt want to.

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For this reason, Daft Punks aesthetics remain exalted by artists of all stripes, even nonmusical ones. Ive heard some French TV producers talk about like, We wanted our campaign to feel like a Daft Punk campaign, says Madeon. Theres something that transcends the musicality of it, about the attitude, the confidence, how complete and curated and committed to its vision that whole [ Discovery ] era was for them.

A lot of that visual image curation comes from the duos admiration of pop culture writ large, says Jason Bentley. We had conversations [while making the Tron soundtrack] where they described things like Spielberg films or classic music videos in detail with great reverence. I think they also appreciated the mythology of what they had created with Daft Punk, something as rare and precious as the cult films and pop art they admired. (That visionary certainty, as Bentley calls it, is also what he believes allowed them to say no to a lot of things and maintain an aura of mystery.)
Daft Punks final act of self-curation was their breakup, announced in signature fashion via an eight-minute video entitled Epilogue , which features excerpts from their 2006 movie Electroma . Its mostly symbolic as the end of an era, says Bentley of the split. I trust this is a very considered decision on their part, and going back to how much they care about the mythology of music and culture I can only speculate that they didnt feel like they had anything more to contribute.

Ever hyper-conscious of their place in culture, Daft Punk left us with a neat, deliberate arc of a career, the scope of which gets to the core of the duos artistic goals.

I feel like the huge success of Random Access Memories was a neat bookend for a story of sampling technology evolving into human expression and nuance, Bentley says. Discovery probably represents the sweet spot in their discography for me since Im still mostly listening and learning from a machine language myself. But their split shows that were all just human after all.

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